La Novena


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Todo el mundo tiene en mente las grandes historias entre nazis y americanos que el cine, la literatura, el arte o las novelas nos ha ido señalando desde hace más de 70 años. Toda guerra siempre tiene también pequeñas historias, y es la suma de todas ellas las que conforman el arco histórico de un hecho tan “cataclísmico” como la II Guerra Mundial. Una de esas historias en la protagonizada por una división francesa compuesta por soldados españoles, conocida como “La Novena”.

La historia de ésta compañía comienza en 1939, cuando el ejército franquista se hace con el control total de España. Miles de soldados republicanos huyen hace el norte de África (Marruecos y Argelia), que en esos momentos era protectorado francés, salvo el norte de Marruecos, que era español. Bien, ante éste panorama los españoles, no muy bien vistos por los francesas, fueron internados en diversos campos de concentración y fueron obligados a trabajar en la construcción de un tren que atravesaba el desierto o, en el caso de los militares, a enrolarse en la Legión Extranjera Francesa (LEF).

En junio de 1940 Francia capitula ante el ejército nazi y queda dividida en dos zonas, la Francia colaboracionista de Vichy y bajo Presindencia del Mariscal Petain; y la zona ocupada. Los ejércitos franceses quedaron bajo el mando de Petain. El grueso de los excombatientes republicanos se encontraban en ese momento en Marruecos y las autoridades no sabían que hacer con ellos: integrarlos o mandarlos masivamente a España, donde sus vidas acabarían nada más pisar tierra. Finalmente, los franceses les dieron la opción de enrolarse en la Legión Extranjera o marchar hacia Europa con un futuro incierto: la elegida fue la primera opción. Pero no ayudaron a Francia a luchar contra los aliados, sino que, aprovechando la llamada de Charles de Gaulle en la zona no controlado por Vichy, los republicanos comenzaron a luchar contra los Africa Korps, el cuerpo de élite de Rommel, el mayor general nazi de la II Guerra Mundial. Su lucha fue tan tenaz que consiguieron conquistar la ciudad de Bizerta, en Túnez, en mayo de 1943.

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Los soldados republicanos adquirieron fama y respeto por su lucha antifascista entre las propias tropas francesas hasta el punto que bajo el mando del Comandante Raymond Dronne formaron “La Novena Compañía Blindada”, integrada en la “Segunda División Blindada” del General Leclerc, el inspirador y principal apoyo de los republicanos españoles. Tras África, el siguiente destino fue Gran Bretaña, donde se les preparó para formar parte de los ejércitos que iban a invadir Europa. Finalmente quedaron en suelo británico hasta que, asegurada la costa, pasaron a depender del General estadounidense George Patton. Francia resultó ser mucho más fiera que África y los enfrentamientos entre los miembros de “La Nueve” y el ejército alemán fue realmente cruento en la zona de Alençon, a 180 km. de París. Solo la llegada del británico Montgomery les salvó de una masacre segura. La resistencia que opusieron los republicanos fue tan impresionante que les valió el reconocimiento de todo el ejército aliado y fue punto de inflexión en el avance hacia París.

MD23. Madrid, 10/09/08.- Foto de archivo de la Tanqueta Guadalajara llegando a la alcaldía de París durante la II Guerra Mundial. Esta tanqueta pertenece a la memoria de aquellos soldados republicanos españoles que tuvieron que luchar en la II Guerra Mundial junto a las tropas francesas y en contra de los ejércitos fascistas y nazis, como se relata en el libro "La Nueve", escrito por Jorge Semprún y que sale hoy a la venta. EFE/Ediciones B. ***SOLO USO EDITORIAL***.

En agosto de 1944 París y la Resistencia Francesa (plagada también de republicanos) se sublevan contra los alemanes y, pese a las recomendaciones desde el Alto Mando aliado, Charles de Gaulle decide mandar a una unidad hacia París para evitar que se destruyan los puentes de la ciudad y dificultase la entrada en ella. La compañía elegida es la comandada por Leclerc, y por tanto, la de los españoles republicanos. Fueron los tanques españoles los que liberaron el Ayto. de París, la Plaza de la Concordia o el Hotel Majestic. El general nazi al mando de París, Dietrich von Choltitz, se entregó a los españoles, que fueron los encargados de guardar su vida hasta el momento de la entrega a las autoridades. El reconocimiento a los españoles fue tal que fueron los escoltas de Charles de Gaulle en el desfile de entrada en París.

Pero la historia de “La Nueve” no acaba aquí: solo unas semanas más tarde se lanzan a la conquista del resto del territorio francés y llegan a rescatar ciudades como Andelot o Strasburgo. En Nancy, el propio De Gaulle reconoció la valía de los solados republicanos condecorándoles con la Cruz de Guerra, la más alta estimación militar francesa. Finalmente, “La Novena” quedó estancada en los congelados bosques de Munich hasta que llegaron a formar parte de la toma del último bastión nazi de renombre: el Nido del Águila.

La postguerra fue un momento difícil para todos aquellos combatientes antifascistas que veían en su lucha la próxima liberación de España. No fue así y la Historia de revolvió contra ellos de la forma más dura posible. Pocos han sido los reconocimientos hacia su papel y su importancia en la Liberación de Francia, llegándose incluso a desmerecer su esfuerzo. Por suerte, hoy, 70 años después de la Liberación, el Ayuntamiento de París los ha homenajeado de un forma muy digna, con la presencia del Rey Felipe VI y la alcaldesa de París, Anne Hidalgo, hija y nieta de republicanos. La Historia, ahora sí, les ha devuelto algo del honor que se les debía.

Aquí os dejo el vídeo del homenaje a los republicanos españoles de “La Nueve”

<p><a href=”https://vimeo.com/110559567″>PAR&Iacute;S RECUERDA A &quot;LA NUEVE&quot; Y LOS REPUBLICANOS ESPA&Ntilde;OLES</a> from <a href=”https://vimeo.com/tmextv”>TMEX</a&gt; on <a href=”https://vimeo.com”>Vimeo</a&gt;.</p>

Premios Oscar 2015


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Llega otro año el espectáculo y la farándula yanki: los premios Oscar. Una vez más Hollywood se siente el centro del mundo (y con razón) y su endogámico ego refluye por todos las lados. Y para que vamos a mentir, nos gusta. Éste no ha sido un año especialmente bueno (¡y desde cuando lo es!) pero dos películas llegan como hiperfavotiras, la “doble B”: Birdmand y Boyhood.

La película de Iñárritu ha levantado pasiones encontradas: desde los que la defienden a muerte y la consideran una obra de arte visual y uno de los “tour de force” más recordados en los últimos años; y los que la odian, que dicen de ella es la película más egocéntrica que ha podido vomitar su director. Ese “blanco-negro” ya nos dice que no es una película cualquiera. Linklater, director de la archiconocida “Antes de” por fin ha irrumpido de pleno en la alfombra roja y se sitúa, con permiso de Birdman, como el caballo ganador. Todo son alabanzas hacia ésta película que ha despertado en el espectador sentimientos animosos y reconocidos en sus propias vidas. Birdman y Boyhood son los antiguos aurigas romanos en el Circo Máximo y solo una saldrá con vida.

¿Qué hay de las otras rivales? Pues ninguna tiene visos de hacerla la menor sombra a las otras dos. Volvemos a tener un exceso de biopics, una película alternativa-comercial y la revelación del año a ritmo de batería. Tanto La teoría del todo como Enigma son sendas biografías al uso y el peso actoral la que las eleva a buenas. Suele ocurrir en éstas películas que el guión es flojo debido a que no hay margen para mostrarse original (eso se deja para el montaje) y suelen caer en la mediocridad. En éste caso hay que hacer justicia y reconocer que son películas entretenidas y que llegan a conmover en ciertos episodios del largometraje. Selma es, y no lo interpreten como lo que no es, otra-película-de-negros-acerca-de-sus-derechos-civiles-y-libertades. No hay nada nuevo en ella que no hayamos visto en 12 años de esclavitud o El mayordomo. Por otro lado, Clint Eastwood no suele dar otra película memorable: El francotirador, basada en la vida real de Chris Kyle, marine de los EEUU que ostenta el récord de muertos como francotirador. Ahí es nada. Una de los hechos agradable de las nominaciones ha sido la irrupción, con fuerza, de El gran hotel Budapest, la divertidísima película de Wes Anderson con un Ralph Fiennes en estado de gracia y que debió estar nominado a Mejor Actor. Por último, la sorpresa del año: Wiplash, una película pequeña pero con una enorme fuerza interpretativa por parte de J. K. Simmons y Milles Teller. Sin duda, una nominación más que merecida.

Quién ganará: Boyhood.

Quién debería: Birdman.

Sorpresa: El gran hotel Budapest. 

 

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¿Y qué pasa con los actores? Pues también ha sido un año flojito. Salvando a Michael Keaton, Eddy Redmayne o Marion Cotillard, ninguna de las interpretaciones sobresalen. Por parte de la masculinidad lo más interesante es ver quién saldrá ganador del duelo Keaton-Redmayne. Difícil opinar sobre quien merece más ganarlo. Tanto Cooper como Cumberbatch o Carrel no tiene opciones reales de ganar. Por parte femenina Julianne Moore, en un papel menor en su filmografía (ni tampoco el mejor que hizo en 2014) es la favorita pues ha ganado todo lo ganable previamente y, como suele ocurrir muchas veces, no hay una competencia de renombre que le haga sombra. En los roles secundarios, J. K. Simmons y Patricia Arquette tampoco parecen tener rival en sus categorías: ambos llegan impolutos a gran final.

Mejor Actor

Quién ganará: Eddie Redmayne.

Quién debería ganar: Eddie Redmayne.

Sorpresa: Bradley Cooper.

Mejor Actriz

Quién ganará: Julianne Moore.

Quién debería ganar: Marion Cotillard.

Sorpresa: Rosamund Pike

Mejor Actor Secundario

Quién ganará: J. K. Simmons.

Quién debería ganar: Edward Norton.

Sorpresa: Robert Duvall.

Mejor Actriz Secundaria

Quién ganará: Patricia Arquette.

Quién debería ganar: Patricia Arquette.

Sorpresa: Keira Knightley o Emma Stone.

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En cuantos a los guiones, parece que aquí si hay más batalla. En el apartado de Guión Original ni Birdman ni Boyhood parten como favoritas sino que es El Gran Hotel Budapest la que parece que se lo llevará en el único premio con opciones serias. Por otro lado, en Mejor Guión Adaptado Enigma parece que no tiene rival.

Mejor Guión Original

Quién ganará: El Gran Hotel Budapest.

Quién debería ganar: El Gran Hotel Budapest.

Sorpresa: Foxcatcher.

Mejor Guión Adaptado

Quién ganará: Enigma.

Quién debería ganar: Enigma.

Sorpresa: La teoría del todo.

 

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Muy variada se presenta el cartel de Mejor Película de Habla no Inglesa. Parte como favorita a la polaca Ida, la gran triunfadora de los últimos Premios del Cine Europeo. Apenas le hace sombra la argentina Relatos Salvajes o la rusa Leviatán, pero en ésta categoría nunca se sabe y puede ganar cualquiera ya que parece ser que apenas las ven un puñados de académicos.

Quién ganará: Ida.

Quién debería ganar: Relatos Salvajes.

Sorpresa: Leviatán.

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Y por último en este repaso del año hollywoodienses tenemos las nominadas a Mejor Película de Animación. Cómo entrenar a tu dragón 2 parte como favorita máxime cuando La LEGO película se ha quedado fuera para sorpresa de todos. Quizás Big Hero 6 pueda mantener la incertidumbre hasta el último momento.

Quién ganará: Cómo entrenar a tu dragón 2.

Quién debería ganar: Cómo entrenar a tu dragón 2. 

Sorpresa: Big Hero 6

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Premios Goya 2015


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Un año más llegan los premios patrios de nuestro cine. Un año que, esperemos, ha supuesto el renacer del cine en España con unos datos de taquilla como no se recordaban y ha sido gracias, sobre todo, a tres películas: 8 apellidos vascos, El niño y La Isla Mínima. También hay que aplaudir de nuevo la iniciativa del día del cine, que llevó a las salas a más de dos millones de espectadores.

Volviendo a los premios cuatro películas parecen las favoritas en las quinielas: La Isla Mínima (17 nominaciones), El niño (16 nom.), Relatos Salvajes (9 nom.) y Magical Girl (7 nom.). Todo parece indicar que la noche va a ser un mano a mano entre la película de Daniel Monzón y Alberto Rodríguez. Veámos las posibilidades en las distintas categorías y ¡¡vuestras votaciones!!

MEJOR PELÍCULA

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Nominados: La Isla Mínima, Relatos Salvajes, El Niño, Loreak y Magical Girl.

Favorita: La Isla Mínima. Ha ganado en los Premios Forqué y en los Premios Feroz y ha sido la sensación del año.

Podría: El Niño o Magical Girl.

Sorpresa: Relatos Salvajes.

 

MEJOR DIRECTOR

Nominados: Alberto Rodríguez, Daniel Monzón, Carlos Vermut y Damián Szifrón.

Favorito: Alberto Rodríguez parte con ventaja al ganar en los premios Feroz y Forqué y no se entendería una victoria de La Isla Mínima sin premiar a su director.

Podría: Daniel Monzón. Hace un excelente trabajo de dirección en El Niño y la Academia podría recompensarle si, como parece, su película se va de vacío en los premios importantes.

Sorpresa: Carlos Vermut por Magical Girl.

 

MEJOR ACTOR

Nominados: Javier Guitérrez, Raúl Arévalo, Luis Bermejo y Ricardo Darín.

Favorito: Javier Guitérrez. En ésta categoría no hay competencia para él y es el claro favorito.

Podría: Raúl Arévalo. Es el “alter ego” de Gutiérrez y su interpretación no le va a la zaga.

Sorpresa: Luis Bermejo y Ricardo Darín.

 

MEJOR ACTRIZ

Nominados: Bárbara Lennie, María León, Macarena Gómez y Elena Anaya.

Favorita: Sin duda, Bárbara Lennie. Su doble nominación le encumbra a ser una de las grandes ganadoras de la noche y no ha tenido rival. Aquí tampoco se esperan sorpresas.

Podría: Elena Anaya por Todos están muertos

Sorpresa: y desagradable si ganara Macarena Gómez.

 

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Nominados: José Sacristán, Karra Elejalde, Antonio de la Torre y Eduard Fernández.

Favorito: Es una de la categorías más abierta. Parte con cierta ventaja José Sacritán por su trabajo en Magical Girl, pero Karra Elejalde podría ser la baza de 8 apellidos vascos y premiar así al taquillazo del año.

Podría: Eduard Fernández. Es un actor querido en la Academia y podría conseguir, merecidamente, su tercer Goya.

Sorpresa: Antonio de la Torre. No hay año que no esté nominado pero ahora cuenta con pocas posibilidades.

 

MEJOR ACTRIZ REPARTO

Nominadas: Bárbara Lennie, Mercedes León, Goya Toledo y Carmen Machi.

Favorita: No la hay. Cualquiera de las cuatro podría ganar. Quizás Lennie parta en desventaja al estar nominada (y ser favorita) en la categoría princial. A priori, Carmen Machi puede recoger el voto simpático hacia 8 apellidos vascos en contra de su compañero Elejalde pero Goya Toledo puede ver recompensada su tesón en convertirse en actriz reconocidad. Mercedes León ha sido una sorpresa en la Isla Mínima y mi apuesta personal va por ahí.

Podría: cualquiera de las cuatro.

Sorpresa: que ganara Bárbara Lennie.

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Nominados: La Isla Mínima, El Niño, Magical Girl y Relatos Salvajes.

Favorito: al igual que en Mejor Película, la terna se presenta muy ajustada. Quizás parta con ventaja Magical Girl.

Podría: La Isla Mínima y El Niño.

Sorpresa: Relatos Salvajes.

 

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Nominados: A Esmorga, Anochece en la India, Mortadelo y Filemón y Rastros de sándalo.

Favorita: A Esmorga.

Podría: Mortadelo y Filemón

Sorpresa: Anochece en la India

 

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

Nominadas: Relatos Salvajes, Kaplan, La distancia más larga y Conducta

Favorita: sin duda, Relatos Salvajes.

Podría: Kaplan.

Sorpresa: cualquier de las otras dos.

 

El resto de categorías técnicas va a ser un mano a mano entre La Isla Mínima (Música Original, Fotografía, Dirección de Producción, Vestuario y Peluquería y Maquillaje), y El Niño, por su parte, se llevaría Mejor Montaje y Mejor Sonido.

En cuanto a las categorías revelación, el deseo del que escribe es que gane todo 10.000 km (Actor y Actriz revelación y Director Novel.

 

¡¡Apuésten!!

 

 

Je suis Charlie


Hoy, todos somos Charlie Hebdoje-suis-charlie-1

El fanatismo es una de las mayores amenaza de nuestro tiempo, tal y cómo si volvieramos a la Edad Media. El respeto hacia la opinión de cada o de un grupo debe, siempre, ser respetada. Ésto es de perogrullo, pero nunca está presente.  Las religión es un tema espinoso y puede ser criticada de forma respetuosa. Muchas editoriales y publicaciones han sobrepasado el límite del respeto y han pasado a la ofensa, pero eso no es excusa para la violencia. Las religiones predican, todas, la amistad, la tolerancia y el respeto. El fanatismo es una interpretación de los textos y nunca un dogma escrito.

El atentado contra la revista Charlie Hebdo debe ser condenado enérgicamente y perseguido sin resuello. Y…tener ahora todos la capacidad para superar a los fanáticos y no caer en una guerra mediática (y algo más).

Hoy, todos somos Charlie Hebdo.

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Exodus: Dioses y reyes.


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Hay un tweet que rezaba algo así: “Lo mejor de Exodus es hacerte la foto con el cartel antes de ir a ver la película”. Bien, pues no era para tanto la granizada que caída sobre ella. Exodus: Dioses y reyes es cine épico sin más pretensión que la de entretener. ¿Alguien pensaba que ésta iba a ser una película que agradase a la crítica y que arrancara premios? Si alguien pensaba así estaba claramente equivocado. La última película basada en la Biblia que rascó algo fue Ben-Hur, allá por 1959.

No merece la pena hablar de la historia pues es sobradamente conocida hasta por los más ilustres ateos pero sí es necesario hacer referencia a Los Diez Mandamientos, de Cecil B. DeMille. Aquella era una película justificada: había que hacer la competencia a la televisión y para ello se usó nuevas técnicas que el cine no había usado anteriormente: technicolor, pantalla panorámica,… La justificación de Exodus no se encuentra por ningún lado salvo la de hacer “otra película de la Biblia” con actores conocidos, efectos especiales tremendos y…poco más. ¿Les suena? Correcto, como Los Diez Mandamientos, pero ahora la TV ya no tiene rival en el cine, y más cuando hasta el manido 3D se ve mejor en casa.

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¿Qué es lo que falla en Exodus? Claramente (¡y cómo no!) el guión. No pretendo que Exodus me revelara nada de la historia, ni siquiera que contase algo novedoso, pero si que lo hiciera de manera inteligente. Me explico: una película basada en un libro sobre una historia que pasó cerca de 4500 años tiene que tener un enganche con el presente, y ese enganche no existe. Y mira que era fácil: identificarlo con el sufrimiento de pueblo judío, que eso funciona muy bien en el cine; mostrar la grandeza del Imperio Egipcio, que también va bien; mostrar una historia de luchas entre la nación poderosa y el pueblo oprimido, etc. Pero Exodus se queda en la simple narración de los hechos de forma prácticamente literal que la Biblia cuenta. No hay empatía en ningún momento con ninguno de los personajes: Moisés pasa de fiel protector del faraón a ser el superguía de los judíos como quien compra el pan y de paso pasa por los chinos a comprar alguna ocurrencia. Nunca te llegas a creer el sufrimiento de los israelitas (es más, te la sopla todo lo que les pase). Ramsés es un niño mimado y estúpido, rencoroso con todo y con todos; y los secundarios (Aaron Paul, Ben Kingsley, Sigourney Weaver) pasan con más pena que gloria por la película. Los diálogos son tan superfluos que la que podía ser una interesante historia de cómo Moisés se entera de su origen queda en nada. Y el enamoramiento con su esposa (María Valverde) es de flechazo y punto. Bale no saca su contrastado talento a relucir en ningún momento y Edgerton se esfuerza en reflotar un personaje plano sin apenas conseguirlo.

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Pero no todo es malo en Exodus. Ridley Scott es un directozado y sabe dónde poner la cámara y cómo dirigirla para no hacer pesada una película de dos hora y media. Las escenas de acción (muy pocas) son muy dinámicas, la fotografía es acojonante y los efectos especiales son tan buenos (y en muchas ocasiones sutiles) que hacen remontar la película. No entiendo las críticas al director pues su trabajo lo hace muy bien, pero si ese trabajo no viene acompañado de una buena historia pues poco puede hacer. Lo malo viene cuando la acción decae y en la película no pasa absolutamente nada (el destierro de Moisés, la huida de Egipto,…). Los personajes, como he dicho, carecen de la fuerza necesaria para engancharse con ellos, todo está muy muy forzado y nunca te llegas a creer las motivaciones ni los sentimientos de ninguno.

Mención aparte merece las localizaciones. Uno, que es de Almería, tira para su tierra y reconoce algunos de las localizaciones usadas para la película: cantera de Macael (poblado judío), la Rambla del Búho, la Rambla Viciana, desierto de Tabernas (escena de la batalla), Sierra Alhamilla (persecución final a los judíos),…Fuerteventura, por otra lado, nos muestra la majestuosa playa de El Risco del Paso.

Lo peor: los personajes y las pausas de la película.

Lo mejor: el paisaje, la parte de las plagas y el Mar Rojo.

Nota: 5.5/10

 PD: y sale nuestro amigo Miguel (AKA Josayo) nada menos que ¡4 veces!

Stanley Kubrick ante la historia. Historia y ficción cinematográfica.


Decía Monserrat Huget en un artículo que “la utilización del cine como recurso de enseñanza de la Historia había crecido espectacularmente en los últimos diez años”. Esto lo escribía en el año 1999, ya han pasado 15 años y ésta frase se podría haber escrito hoy. Está claro que para los historiadores la utilización de esta fuente necesita mucho cine visto, mucho cine leído y mucho cine comprendido. A simple vista, llama la atención en primer lugar la evidencia de que el material sobre el que se debe trabajar, las películas, constituye un patrimonio histórico que no se ha tenido en cuenta y cuya preservación plantea serias dificultades, no hablemos de manipularla de una forma, por así decirlo, “correcta”. no existen políticas serias de recuperación de este tipo de bien cultural, el de las cinematografías nacionales, y de que dicha recuperación, a menudo dispersa y en manos privadas, requiere de unos presupuestos considerables.

En palabras de la propia Huget: “Una película, cualquier película, desde el momento en que se ha confeccionado y estrenado en una sala de proyección, se convierte en una narración que recoge de una forma más o menos consciente aspectos del contexto histórico. Cuando la narración cinematográfica es, de forma consciente, una construcción histórica, se dota a sí misma de una doble intencionalidad ante la reconstrucción del pasado, la del tiempo que intenta narrar y la del propio momento histórico en que fue elaborado como producto cinematográfico […] Al mismo tiempo, las películas constituyen productos culturales de autoría colectiva, rasgo que testimonia mejor que ningún otro una de las esencias del mundo contemporáneo: el protagonismo de las acciones del grupo. Como documento, el film testimonia un pasado, pero a la vez se valida como sujeto de la Historia de nuestro siglo, contribuyendo a la construcción de nuestra propia realidad. Como documento, el film goza de un planteamiento de partida que nace de la intencionalidad narrativa y de los elementos que se seleccionan para construir dicha narración”.

La historicidad de una película se extrae de su mera pertenencia a un tiempo anterior al nuestro. Sin embargo, cuando de una película llamada histórica se trata, hemos de admitir además que debe darse una intencionalidad de localización y de reconstrucción temporal específica, planificada y llevada a término a partir de un trabajo de documentación meticuloso. Es ahí donde la imaginación del creador se alía con la tarea convencional de búsqueda histórica y donde ésta incide significativamente en la calidad del producto final.

Existen films históricos que presentan a personas y a personajes históricos reales dentro de un contexto histórico real. En otros, los personajes inventados desarrollan su acción dramática en un contexto histórico preciso. Finalmente, algunas reconstrucciones de época describen a protagonistas ficticios en un contexto histórico no definido con claridad.Un buen film de Historia obrará en el sentido de responder a las interrogantes del espectador, pero también habrá de ser susceptible de ser interrogado repetidamente, como cualquier texto o documento histórico. Sólo si somos conscientes de esta posibilidad seremos capaces de trabajar con un film histórico de igual manera que lo haríamos con un libro de Historia.

Pero saliéndonos del marco teórico sobre la relación entre el Cine y la Historia, pongamos un ejemplo de un director que ha llevado al cine en muchas de sus películas la Historia: Stanley Kubrick.

Kubrick ha querido ser un director total, completo, objetivo que alcanzó a partir de convertirse en uno de los personajes más extraños del panorama cinematográfico mundial. Las películas que vamos a destacar están inmersas en las dos políticas de producción (control por parte del productor o Estudio y la libertad que el director consigue al producir sus propias películas), lo que no resta valor al trabajo de Kubrick en cada caso, sino más bien reafirma la intención del director por sacar al máximo partido en cualquiera de las circunstancias
de producción en las que se ha visto inmerso.

Primera Guerra Mundial (Senderos de gloria, 1957)

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Se parte en este caso de unas historias reales, unos datos que documentan lo acontecido en el desarrollo de la Primera Guerra Mundial. El fusilamiento de inocentes durante este conflicto fue investigado por numerosos historiadores desde los años treinta del siglo XX. Teniendo como referencia estos textos y, especialmente, la novela de Humphrey Cobb “Paths of Glory“, Kubrick y sus colaboradores (Calder Willingham y Jim Thompson) firmaron
un guión de gran dureza en su fondo que, ineludiblemente, llevó emparejada una estructura formal de gran impacto. La historia se centra en el fracaso que las tropas francesas han de asumir al no conseguir alcanzar una colina dominada por los alemanes en plena guerra mundial, en 1916. Tal fracaso obliga al general Mireau a convocar un consejo de guerra y juzgar a tres soldados elegidos al azar para convertirlos en chivos expiatorios, ocultando otros secretos personales, en especial aquellos que le puedan convertir en el hazmerreír de Francia.

Situados en el contexto histórico (Francia, 1916), se nos habla de soldados abatidos que logran contraatacar sin descanso; de tierras de nadie surcadas por más de 750 kilómetros de trincheras; de un frente que apenas cambió
a lo largo de dos años; de la tragedia vital de quienes se encuentran inmersos en una contienda gris, de la que apenas saben si servirá de algo. La imagen que Kubrick ofrece de los soldados a lo largo de la trinchera
es muy clara: la tragedia se palpa en los rostros embarrados y sucios de todos aquellos que sólo quieren, en apariencia, matar alemanes (porque así se lo dice Mireau, el oficial de campo); también dejan traslucir que les gustaría estar en su casa, con su familia, algo que debiera estar en contra de los ideales patrióticos de todo soldado. El debate sobre el honor, el patriotismo, la defensa de la patria (a la que retornarán durante el juicio), pierde aparentemente su fuerza cuando Dax decide avanzar hacia la colina con su regimiento. La obediencia a los mandatos de los superiores son asumidos paulatinamente por todos aquellos según su escalafón. Y la fe ciega que los soldados tienen en Dax también se rompe en aquella pieza del engranaje (el teniente Roget) que ha demostrado cobardía (y por lo tanto es digno de un consejo de guerra). También se rompe cuando Mireau, al ver que no sale el resto de la tropa en ayuda de Dax y su regimiento, decide bombardear sus propias trincheras, y es desobedecido por el capitán de artillería Rousseau, quien cumple escrupulosamente su deber al no disparar sobre fuerzas propias sin orden por escrito. 

El castigo por la desobediencia y la rigidez de la casta militar francesa en la I Guerra Mundial (1914-1918) han sido pocas veces llevadas al cine con una brillantez y de forman tan brillante. Sin duda, una de las mejores películas sobre el tema.

Impero Romano (Espartaco, 1960)

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Del autor de la historia publicada en 1951, el neoyorquino Walter Erigson Fast, autor de diversas novelas sobre acontecimientos históricos, se debe recordar su pertenencia al Partido Comunista en la época de máxima actividad de la Comisión de Actividades Antiamericanas, circunstancia que a finales de los años cincuenta del siglo XX la industria del cine tenía muy presente antes de abordar una producción que pudiera provocar revueltas sociales (la actuación de la Legión Americana y otras asociaciones civiles). Lo mismo cabe decir del autor del guión, Dalton Trumbo, uno de los famosos «Diez de Hollywood» que fueron perseguidos por la triste y a la vez famosa Comisión del senador McCarthy, que tuvo que firmar con seudónimo en varias ocasiones pero que, con esta película, logró recuperar de nuevo su nombre. 

Aparentemente nos encontramos con una película «de romanos», una película histórica que, ineludiblemente, hay que verla desde dos posturas: el rigor histórico y la validez de los hechos desde la perspectiva de los años sesenta. El rigor histórico puede ser discutible: del personaje principal, de Espartaco, se dejan en el tintero algunas cuestiones. Una fundamental es: ¿por qué no se habla de su etapa en el ejército romano?, ¿Por qué se le ve inmerso en la dinámica de la escuela de gladiadores tras pasar por unas canteras, justificando su pasado con cuatro apuntes? No obstante,  desde la perspectiva del año de su producción, la película encierra muchas más virtudes que defectos, porque la grandeza de disponer de películas como Espartaco sólo se valora cuando se trata de comprender, desde un tiempo presente, el pasado y alcanzar a entender el valor de la historia, de su mensaje, de la existencia de ciertos personajes, desde una época reciente igualmente compleja, ideológicamente heterogénea y socialmente conflictiva. 

Espartaco no fue un hombre culto, pero aprendió rápidamente porque la vida fue un cúmulo de experiencias que le hicieron llenar esos huecos. No sólo ha tenido que sobrevivir mil y un contratiempos, sino que también hubo de moverse al margen de una amistad que le permitiera sustentar alientos y esperanzas. Es un hombre que no puede soportar el empleo de la fuerza; sin embargo, se ve obligado a luchar con los demás, a mantener un duelo sin fin con todo lo que le rodea. Resulta muy interesante en este sentido que en la película Kubrick decida resolver el primer combate de Espartaco de manera que no sea dado muerto y, sin embargo, él no provoque la de su contrincante, sino que éste sea herido por un guardia de la escuela y rematado por Marco Craso, cuando el patricio y sus amigos visitan la casa de Batiato. El decoro, la moralidad, va a ser otro de los aspectos que se perfilen a lo largo de la historia, a partir de dos propuestas: la de los gladiadores (especialmente en la relación entre Espartaco y Varinia) y las de lo patricios y aristócratas romanos. Una doble perspectiva de lo que se entiende y valora en cada uno de los estratos sociales dibujados. 

Espartaco quizás no sea una película, en algunos casos, muy veraz a la luz que se tienen de la vida de Espartaco pero si muestra de forma alegórica los EEUU de mediados del siglo XX con la excusa, acertada, de una película “de romanos”.

La Guerra Fría (¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, 1963)

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En este proyecto Kubrick abre una nueva vía al estudio del hombre, de una sociedad, en un momento histórico muy concreto: la Guerra Fría, el enfrentamiento entre las dos grandes potencias surgidas tras la Segunda Guerra Mundial. El lanzamiento de las bombas atómicas generó una inquietud política mundial que se tradujo en una serie de extraños «estados de ánimo»en los más diversos individuos; especialmente, entre la clase política y militar, constituidos en defensores de los valores morales de un país. En esta película nos acercamos a la Historia desde una perspectiva de ficción, en la que su director recrea una situación política disparatada, en un contexto sociológico determinado, con grandes dosis de ironía y crítica, remarcando personalidades como referencias ineludibles a actitudes nacionales que enfrentan la diversidad de posturas democráticas y autoritarias. 

El extraño argumento que elabora Kubrick queda muy bien definido en las personalidades que logra reunir para desarrollar la trama. Por un lado Ripper y Mandrake, locura y cordura, angustia psíquica —paranoia— y serenidad de espíritu; por otro la extraña actitud del general Buck Turgidson, personaje absurdo que no es capaz de comprender el alcance de los acontecimientos y sólo piensa que esta reunión le ha interrumpido su encuentro amoroso; por último, la relación presidente Muffley, general Turgidson y doctor Strangelove, desarrolla un final que tiene mucho que ver con la trayectoria del mayor T. J. King Kong, como el dejarse llevar, cual cabalgadura, por la bomba atómica que consigue soltar finalmente. Políticos o militares. ¿Quién debe decidir? Esa es la cuestión que se pone sobre la mesa de la reunión de emergencia en el Pentágono. Dos maneras de ver el problema, sin que se produzca una mínima propuesta de solución.

Todos tienen la razón y ninguno la capacidad para razonar fríamente sobre lo que sucede. El general Turgidson se acalora con tal fuerza e irresponsabilidad que se dedica a solucionar sus problemas de cama y a contar el tiempo que falta para que se produzca la gran explosión. Kubrick vuelve a plantear, en la conversación que mantiene Turgidson con el presidente Muffley, cuestiones que ya hemos visto en Senderos de gloria. Volvemos a encontrarnos con que unos pocos deciden lo que le ha de pasar a una inmensa mayoría. Lo que Kubrick saca a la luz es que si realmente nos enterásemos los hombres de la calle de lo que se habla en las más diversas reuniones de alto nivel político y militar, nos quedaríamos boquiabiertos de la frivolidad con que se abordan muchas cosas —resulta difícil que el sexo no ocupe una parte de la misma—, sobre todo cómo se utiliza el respaldo del ciudadano. Es como la escena de la llegada del embajador soviético, cuando el oficial encargado de atenderle, y ante la petición de puros habanos, le ofrece puros jamaicanos y él responde: «yo no apruebo el trabajo de criados de imperialistas» a lo que el oficial le contesta: «¡Ah! Sólo el de comunistas». Este es el eterno debate: comunismo y capitalismo; el espionaje; el miedo a que las ideas traspasen las fronteras…

En palabras de Emilio García Fernández “El mensaje es duro, perverso, y llega como ráfaga de ametralladora a todos los espectadores. En una parábola política y militar plagada de metáforas comprensibles desde su sencillez; y principalmente la incomunicación. Y no sólo la que se establece entre la base aérea, el Pentágono y los bombarderos, sino la que se produce entre Ripper y Mandrake, entre los presentes en la Cámara de Guerra, entre Muffley y Dimitri; todos hablan pero no se escuchan.  El teléfono deja de ser el instrumento de contacto —sólo sirve para desencadenar el conflicto—, incluso por falta de monedas. Es el presente —el del año 1963— sumido en un caos, dominado por un pasado que se proyecta en una iconografía que lamentablemente está repleta de estereotipos difíciles de olvidar. Por eso Kubrick insiste hasta el final de la historia; la definición del personaje del doctor Strangelove es ejemplar: un científico llegado del universo nazi, disminuido físicamente, al que le resulta imposible controlar su cuerpo, que siempre responde cuando su mente propone alguna idea nazi; y mucho más cuando lo que dice surge de una fuerza interior que parece transmitirle las palabras (un tanto similar a lo que le sucede a Ripper, que no deja de escuchar voces interiores que le invitan a decidir su absurda actuación).

Muchas más películas realizó Stanley Kubrick sobre una base real y que han pasado a la Historia del Cine (y a la Historia) como películas rompedoras, innovadoras y con una base histórica veraz o al menos basadas en unos hechos verosímiles. Hablamos de La chaqueta metálica, Barry Lyndon o 2001, una odiea en el espacio. No es posible aquí hacer una relación de todas ellas y por eso dejo un par de enlances desde donde he extraído toda la información de este artículo para aquellos que le pique la curiosidad y la necesidad de saber y reflexionar.

 

Este artículo ha sido escrito a partir de los textos de:

La Nouvelle Vague


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Hace unos días nos enteramos de la muerte de Alain Resnais. Resnais, uno de los motores de la Nouvelle Vague, me sirve de excusa para escribir  sobre unos de los mejores períodos que el cine ha dado. Y es que a mediados de la década de los cincuenta el panorama cinematográfico francés sufre un huracán renovador traído por un puñado de jóvenes cineastas deseosos de romper con toda la etapa anterior, muy encorsetada.

La nouvelle vague es, como todo movimiento artístico, hija de su tiempo y de su historia. París es la cuidad madre de este movimiento y en ella los cineastas de este movimiento pudieron desplazarse con libertad, tanto en lo cinematográfico como lo personal. No es un movimiento aislado sino que en otros países del entorno, como en Gran Bretaña, surgen similares grupos de protesta: los angry young men, especialmente en el campo de la literatura, muestran su interés en la clase trabajadora y en su situación bajo los escritos de Kingsley Adams, William Cooper o John Osborne. Pero volviendo a Francia, es aquí dónde este tipo de críticas se desenvuelve mejor y en un medio que llega a más gente: el cine.

¿Cuáles son los preceptos que hacen de la Nouvelle Vague un movimiento extraordinario? Aquí un mapa conceptual extraído de la web Doctor Mentalo:

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Fijándonos en el gráfico podemos ver varios aspectos destacados que conforman este movimiento: el gusto por el cine negro, un cine de autor y muy personal, el amor en todas sus variantes (amor paterno-filial, amor platónico, amor tormentoso,…) y una absoluta libertad a la hora de filmar e interpretar las pasiones humanas.

Todos los cineastas que conforman este grupo sin fundar (Godard, Truffaut, Rivette, Rohmer, Damy, Chabrol,…) se oponen al sistema de estudio francés, a los guiones enraizados en la burguesía, en los grandes melodramas de época,… a la par que reivindican figuras denostadas como Jean Renoir, Robert Bresson o Jean Vigo. Pero no solo de los social y de la ruptura vive la nouvelle vague sino que bebe de todos los adelantos tecnológicos de los que dispone: el magnetófono portátil, que permite rodar en exteriores con mayor libertad permitiendo a los directores salir de estudio.

Dos aspectos fundamentales de este movimiento es el uso de la fotografía y la importancia del montaje. Los planos fotográficos de Los 400 golpes o Al final de la escapada es el manifiesto de Henri Decae y Raoul Coutard, que usan la fotografía en blanco y negro para dar mayor profundidad a la película. Pero si un elemento es esencial en estos cineastas, éste es el montaje. Reivindicando a Orson Welles, Hitchcock o Robert Bresson, usan este instrumento para dotar de mayor verismo y naturalidad a las proyecciones. La Nouvelle Vague es ante todo denuncia social, es estimular al espectador, hacerle ver la realidad que le rodea de una forma descarnada, es poner en el punto de mira la educación y los valores de la Francia de los 70.

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Como todo movimiento artístico queda ligado a otros campos de las artes y las letras y la Nouvelle Vague está indisolublemente ligada a la filosofía de otro francés de renombre: Jean-Paul Sastre y su existencialismo, la libre elección del ser humano y la absurda aventura del conocimiento racional del Universo y de los que nos rodea. Esto alcanza a los personajes, que tienden a ser jóvenes antihéroes con lazos familiares rotos y movidos a una actitud sumamente distanciada y cínica con la política.

Dos son las películas cumbres de este movimiento: Los 400 golpes Al final de la escapada. La primera nos cuenta la vida de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) que tiene que vivir con la inestabilidad del matrimonio de sus padres, con una falta de interés en la enseñanza que recibe en la escuela y que, pese a su juventud, le hace escapar del hastío del que está rodeado. François Truffaut, durante 95 minutos, traza los sueños de un niño que desea escapar de los golpes que su corta vida le ha ido dando y solo desea ver el mar, elemento onírico del escapismo espiritual. Para recordar la escena final, en un espectacular travelling, del joven Antoine.

Por otro lado, en Al final de la escapada, Jean-Luc Godard (en colaboración de Truffaut), que homenajea a cineastas como Meville u Otto Preminger (Anatomía de un asesinato es clara referencia). El argumento no es nada original:  Un tipo mata a un policía e intenta huir con su chica. Con el uso de un montaje discontinuo y como múltiples autoreferencias, Godard monta una maravillosa película llena de acción, muy personal y con el tema convencional del amor carnal que no encaja en los moldes de una sociedad establecida. Como en Los 400 golpes, la escena final de la película es de las más conseguidas y más icónicas del cine.

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Muchas son las películas que hicieron de este movimiento social (y que se convirtió en movimiento hipster al poco tiempo) en uno de los mayores transformadores de cómo hacer cine: Mi noche con Maud, Los paraguas de Cherburgo, Pierrot el loco, Hiroshima, mon amour (con la espectacular Emmanuelle Riva), Banda aparte, Los ojos sin rostro o La mamá y la puta.  Indisoluble a estas películas y directores están varios actores que dieron forma a los personajes creados por estos genios:  Jean-Pierre Léaud,  Anna Karina,  Jean-Paul Belmondo,  Jean-Louis Trintignant,  Jeanne Moreau, Emmanuelle Riva o Catherine Deneuve.